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martes, 8 de noviembre de 2011

Iris Apfel, el ave rara de la moda.



El diseño y la moda han ido de la mano por centurias y milenios, se han complementado y son parte esencial que dejan ver lo que es una sociedad, así como sus costumbres y valores, es por eso que he elegido participar con este primer contenido de diseño de modas, incluyendo a una celebridad que pese a su edad ha sabido darse su lugar al interior de una de las industrias mas agresivas y cambiantes como lo es la industria de la moda.

Nacida en 1921 en Nueva York, hija de Samuel Barrel, quien era dueño de une empresa creadora de cristal y de espejos quien se apasionaba con el diseño interior y también hija de Sayde  una rusa quien era dueña de una boutique de modas.

La influencia de sus padres fue vital en su modo de vida, por un lado la preocupación  por los interiores y como debían ser decorados y por el otro la moda. Estudió historia del arte en la universidad de Nueva York y dio clases en la Universidad de Wisconsin.  Trabajó en el Women’s Wear Daily y como diseñadora de interior con Elinor Johnson,  y fue asistente de ilustración con Robert Goodman.



En 1948 se casó con Carl Apfel  y lanzó su propia empresa enfocada a la realización de textiles, de esta manera ella realizaba los diseños que deseaba que se elaboraran de tal manera que creaba diseños para que estos fueran terminados y hechos para que fueran producidos.



Su búsqueda por telas que den una personalidad y expresen un estilo propio, ecléctico y sin compromisos. Su postura en cuanto al diseño interior va en contra de todo lo minimo, por lo contrario se aproxima más a lo rico y exuberante.



Es una fiel creyente de que el estilo debe ser autentico, sin copiar el de alguien, ya que es un medio de expresión natural. Su gusto por los textiles étnicos habla de su gusto por lo raro y en cierta manera una arquitectura de la imagen que llama muy sofisticada y que lleva una expresión personal más allá de lo obvio, lleva a la libertad misma de la persona.



Fuentes:
TCLY “Iris Apfel: Iconoclasta de la Moda” thecitylovesyou.com. 08.11.011
Peabody Essex Museum “Rare Bird of Fashion: The irreverent Iris Apfel” youtube.com 08.11.011

miércoles, 19 de octubre de 2011

Patricia Urquiola, la estrella española.


Nacida en 1961, en Oviedo España, es una diseñadora conocida a nivel hispano y latinoamericanamente por sus diseños de mobiliario y diseño interior.

Tropicalia, 2008

En cuanto a sus estudios se recalca que estudió arquitectura en el instituto Politécnico de Madrid, estudiando su postgrado en la Universidad Politecnica de Milán, donde recibió clases de eminencias del diseño italiano como Achille Castiglioni y Eugenie Betteneli.

En 1991 Urquiola comenzó su trabajo como parte de la oficina de diseño de una empresa de mobiliario en Padova Milan, donde trabajó con Vico Magistretti. En 1996 abrió un estudio asociándose con varios amigos, este estudio estaría enfocado a diseño de interior, de restaurantes, auditorios, galerías y trabajando en arquitectura. También se convirtió en gerente de Lissoni Associati Design Group.



A partir de 2001 abrió su propio estudio enfocada en diseño de producto, exhibidores y arquitectura, de allí se volvió conocida gracias a las piezas de mobiliario diseñado para MOROSO. De allí que ha atraído la atención de los medios por sus diseños y ha impartido conferencias en congresos y universidades a lo largo del mundo. Actualmente realiza diseño para marcas importantes.

Antibody, camastro (2006)

El estilo de Urquiola es muy intuitivo y despreocupado, conceptual y con una ligera preocupación por los proceso de producción, su diseño es relajado y demuestra una completa preocupación formal y estética.

Mesa "T", 2006


El su último trabajo de gran importancia hasta el momento ha sido el diseño interior del Hotel Mandarin de Barcelona, donde ha creado una atmósfera de lujo en un concepto de boutique-hotel, dando gala de su sensibilidad como diseñadora y de su visión para transformar los espacios en algo que puede brindad satisfacción profunda y sencilla. 

Hotel Mandarín de Barcelona, 2010

Fuentes:
Design Boom. Patricia Urquiola. designboom.com  19.10.2010
Lorenzo, Soledad. "Imparable Urquiola". Arquitectura y Diseño. Edición 110
Lorenzo, Soledad. "Lujo con sabor oriental". Arquitectura y Diseño. Edición 110


jueves, 16 de septiembre de 2010

Jonathan Ive, el play boy de las computadoras

Jonathan Ive es uno de los diseñadores más famosos a nivel mundial, si no es que el más famoso, y ha dejado su marca no sólo en la gran compañía en la que trabaja, sino en la vida de muchas personas alrededor del globo, es el mejor ejemplo de que el diseño influye en la vida de las personas y hace cambios en sus percepciones.

Ive es oriundo de Londres, Reino Unido y nació en 1967. Estudió arte y diseño en la Politécnica de Newcastle, después abrió su despacho de consultoría “Tangerine” donde trabajaba asistiendo a la industria en el área de diseño y desarrollando desde herramientas hasta televisiones. En 1992 recibió una oferta de trabajo de parte de uno de sus clientes Apple, donde se le ofrecia un espacio en el área de diseño. 

En Apple inició su trabajo junto con Steve Jobs, Ive diseño y desarrollo la iMac, gran pieza del diseño computacional que alcanzo a vender 2 millones de unidades en solo un año. Su trabajo revolucionó el modo de ver los computadores, especialmente después de que sólo fueran cajas beige con circuitos dentro, Ive imprimió, color y forma para hacer de estos aparatos, algo más sensual y atractivo.


iMac, 1998

En adelante Apple seguiría el camino de la experiencia del usuario y el pensamiento lateral, siempre desarrollando nuevas alternativas para hacer de sus productos algo accesible y más fácil de usar para los usuarios.

Ive proporcionó a Apple una forma de pensar más allá de la funcionalidad y la función implemento una forma de pensar que fuera completamente diferente, dando a Apple su valor diferenciador de otras marcas de computadora.

Jonatha Ive, iMac2002 y Steve Jobs


El y su equipo comparten un pensamiento de innovación trayendo siempre nuevas aplicaciones, investigando desde la producción hasta la interacción trayendo al usuario posibilidades nuevas de desenvolverse implementando nuevas aplicaciones que permitan atraer el ojo del usuario.

Ive y su equipo han desarrollado toda una nueva gama de productos tales como el Cubo, el iPod y sus diferentes modalidades, el iPad, la MacBook Pro, las MacBooks y actualmente la MacBook Air, la cual es una de las piezas más sensuales en el mundo de la informática.

Ive es hoy en día el play boy de la computación y la informática pues ha desarrollado productos que innovan desde la interacción hasta la formalidad, ha llevado adelante este gran concepto de Apple de integrar arte y tecnología. Y a su vez ha creado una nueva manera de pensar.


iPad, 2009


Actualmente su trabajo lo ha llevado a ganar un gran número de reconocimientos a nivel internacional y hoy en día es el vicepresidente de Apple y también es jefe del área de diseño, es una promesa de calidad y el detalle en el producto más allá de la función.




Fuentes:

Charlotte & Peter Fiell “El Diseño del siglo 20” Taschen 2003

Apple “Jonathan Ive” Apple.com


Design Museum “Jonathan Ive” designmuseum.org

domingo, 1 de agosto de 2010

Los hermanos Bouroullec, genios del diseño francés.


Ronan y Erwan Bouroullec son dos hermanos franceses que nacieron en la década de los 70’s, ambos iniciaron su trabajo junto a partir de finales de los años 90’s creando hasta la fecha inolvidables piezas de mobiliario y productos. Han sido reverenciados como grande diseñadores destacándose además de la gran celebridad del diseño Phillippe Starck.
Sus diseños dejan de lado la costumbre de un diseño con estilo repetitivo y siempre se encuentran promoviendo nuevas formas de traer productos que se diferencian de una buena manera incluso entre sus  mismos proyectos. Crean en sus proyectos soluciones atrevidas y competitivas contra el mercado.
Ronan y Erwan nacieron en 1971 y 1976 respectivamente en la provincia de Quimper en Francia, Ambos estudian en la Escuela Nacional Superior de Artes Decorativas y también en la Escuela de Bellas Artes de Cergy. Al principio Ronan estudia diseño industrial no obtinene buenos resultados, entonces cambia al diseño de muebles donde si obtiene buenos resultados y se siente atraído por esta área del diseño. Tras terminar sus estudios Ronan empieza su estudio y es asistido por su hermano quien aún no concluía sus estudios. Ronan continua envolviéndose en el diseño de manera sorprendente, desarrollando prototipos de piezas cerámicas y de mueblería.
Ronan crea un estilo limpio de ornamentos y completamente flexible que puede adaptarse a cualquier sitio o ocupación. Desarrollan en 1997 sus Vasos Combinatorios los cuales son siete vasos de polipropileno blanco que tienen la posibilidad de ser combinados entre sí brindando cientos de combinaciones según sus diseñadores con el fin de dar esa flexibilidad al diseño. 

En 1998 crean su cocina modular donde además de poder lavar y poner trastes, le pueden agregar partes tales como cómodas, estanterías, encimeras y ganchos para usar, y además crean un concepto, en el cual se cuestionan por el uso de la cocina pues al tener una en casa siempre se dejan atrás los muebles en la tradicional cocina integral y ellos con esta cocina pretenden llevarse todo. El concepto le llega a interesar a Giulio Cappellini presidente de Cappellini, quien propone a Ronan poner sus diseños en producción y comisionar nuevos productos. Ronan acepta e invita a su hermano Erwin a colaborar con él en un despacho de diseño. 
 Silla Spring, Cappellini. 2002.
Ambos hermanos empiezan a trabajar juntos y en el periodo de 1998 a 1999 producen objetos que son firmados por ambos, pero en el 2000 cada quien firma por su lado, no por cuestiones de competencia sino por pragmatismo de estilos individuales. En el año 2000 Erwan exhibe su Lit Clos o cabina para dormir donde presenta un diseño algo atrevido para el tiempo, no dentro de una cuestión formal pues el diseño contemporáneo, sencillo y ligero, sino por el concepto te una cama cabina para aquellos espacios públicos donde las personas pudieran dormir.  El trabajo fue asombroso y presentado en la Feria de Milan de aquel año y desde entonces ambos hermanos comenzaron a llamar la atención del mundo del diseño.
 Lit Clos, 2002.
Comprendieron entonces que no tenía caso el limitarse a firmar cada quien por su lado y continuaron firmando ambos, pues ambos contribuían en mayor o menor grado en el trabajo de diseño, además de que en su trabajo ambos siempre esperan competir para sacar lo mejor de ambos ya sea estéticamente o técnicamente ambos conjuntan sus ideas y estilos en productos diversos.
Estos diseñadores tuvieron la gran suerte de crecer al tiempo en que el diseño francés renacía y en que se buscaban nuevos símbolo de diseño en aquella nación.  Su trabajo siempre se complementa, uno es un reto para el otro, deben siempre trabajar para sustentar sus diseños y se encuentran durante el proceso creando y recreando hasta llegar a un producto satisfactorio. 




 Piezas modulares Alga, para vitra 2004.

Son amantes del arte, la arquitectura y han trabajado incluso para el sector de la moda. Buscan que sus diseños sean versátiles a modo que el mobiliario pueda ser usado tanto en casa como en oficina, y además buscan que el mobiliario de un sello de la personalidad de los usuarios y brinden siempre un carácter simple y estético. Ambos hermanos han trabajado para Vitra desarrollando varios productos de sillas como Vegetal y Slow que se han de convertir en clásicos en el mundo de las sillas, así como han trabajado con la idea de encontrar nuevas formas de habitar. 
 
Librero modular, nube, Capellini 2002
Han desarrollado mobiliario modular para Capellini como las nubes modulares de poliestireno. Han sido investigadores en el área de usar nuevos materiales y brindad soluciones interesantes; su inspiración viene de los movimientos contemporáneos en moda, cultura y arte y brindan un lugar importante a la investigación y a la experimentación en el diseño. 
 Silla Slow, Vitra, 2007.
 Silla Vegetal, de Vitra, ha sido una combinación de diseño orgánico y geometría.
Muestra de este ingenio en la búsqueda e investigación ha sido su nueva colección de objetos Wajima en la cual plantean el uso de viejas técnicas artesanales de producción japonesas con objetos estéticamente diseñados, haciendo así una mezcla entre tradición y modernidad.

Fuentes:
Arquitectura y Diseño. Soledad Lorenzo. 2009. Edición 106, “Simbiosis de Culturas"
Arquitectura y Diseño. Soledad Lorenzo. 2009. Edición 100, “Diseñadores un cambio de escenario"
Ronan, Bouroullec; Erwin Bouroullec, “Biography”
Vitra, “Ronan and Erwan Bouroullec” vitra.com
Álvarez, Arantza.  “Ronan y Erwan Bouroullec: Buscamos el carácter o la identidad en la simplicidad” protyectocontract.com
Desing Museum “Ronan + Erwan Bouroullec” desingmuseum.org



martes, 18 de mayo de 2010

Buckminster Fuller

En el mundo del diseño, son importantes las aportaciones de los arquitectos, ya sea porque muchos de los objetos de mobiliario han sido también concebidos por arquitectos o por las múltiples aplicaciones filosóficas y de teoría que han aportado.

Cierto es que un diseñador hace objetos que viven en espacios creados por arquitectos, sin embargo una de las grandes áreas donde diseñadores y arquitectos coinciden es en Productos Arquitectónicos, lo que se refiere a partes prefabricadas para viviendas o viviendas completamente fabricadas de manera industrial.

Richard Buckminster Fuller fue de esos genios que se desenvuelven en varios campos del saber y que lejos de sus aportaciones a la arquitectura ha hecho grandes aportaciones al mundo de los productos arquitectónicos y por ende al del diseño industrial.

Fuller nació en Milton Massachusetts en 1985, Fuller estudió en la Universidad de Harvard un corto tiempo por lo que nunca pudo ostentar bien el título de arquitecto, y después estudió en la Academia Naval de Estados Unidos en Annapolis, se había casado con Anne Helwett, peleó en la Armada durante la Primera Guerra Mundial, hecho que influiría en su manera de ver las cosas y en su futuro como ingeniero, arquitecto y diseñador.

Fuller era un amante de la navegación, del mar y de los botes, mucho de esto debido a sus viajes en bote para visitar a su abuela en una isla de la costa de Mane. El creía que los grandes descubrimientos de la humanidad se habían hecho gracias a la necesidad de cruzar el mar y el océano, teniendo de esta manera que recurrir a recursos como las estrellas, las técnicas de navegación, lo que el llamaba “Geometría Líquida”.

En 1922 con fundó la Stockade Building Company dedicada a hacer piezas ligeras para edificios, en 1927 Fuller perdió su trabajo en Stockade, el conocimiento que adquirió en este trabajo sobre arquitectura le sería de vital ayuda posteriormente. Fuller entonces se vio a la edad de 32 años con una filosofía de crear algo nuevo, algo aparentemente insignificante, barato y eficiente por el bien de la humanidad.

Entonces Fuller decidió concentrarse en el área de la construcción y empezó a trabajar en el área de los edificios auto sostenibles, creando así su edificio de la torre en 4D la cual patentó y que tenia la característica de ser ensamblable con partes prefabricadas y que además podía generar su propia electricidad. Fuller tomó en su mente la idea de crear viviendas para el bien de la humanidad, con un uso práctico y bien administrado de materiales que permitiera, tomó una filosofía en que sobreponía las consecuencias para la humanidad a la ganancia personal, este hecho le convirtió en un arquitecto que pensara más a fondo en la opima utilización de los recursos naturales.

En 1929 Fuller creó su casa máximo dinámica o popularmente conocida la casa Dymaxion la cual es una abreviatura de “Dynamicmaximumion”, el nombre fue tomado de el gran vocabulario del que contaba Fuller, esta casa era completamente innovadora, ya que ocupaba una pequeña superficie de tierra ya que estaba sobre una columna, y en ella se empleaban materiales como acero ligero, la casa fue consevida como una vivienda privada pero mas tarde sufrió cambios.


Fuller con su casa Dymaxion, 1929

En adelante esa forma de diseñar de Fuller se transportó a otros proyectos posteriores, concibió el carro volador el cual era un carro que tenía alas, el concepto evolucionó poco a poro hasta que creó el carro dymaxion lo cual traía en si la idea de un auto, el proyecto fue presentado en 1933, este era un auto de tres ruedas con formas completamente estilizadas (mucho para la época), y aerodinámicas, lo cual planteó un antecedente para la aerodinámica moderna. Este proyecto seguiría su camino hasta ser detenido por la falla de uno de los prototipos que mató al conductor.


Carro Dymaxión, junto un carro de la època, lo que muestra el avanzado diseño de Fuller. 1933.

En 1940 en anticipación a los bombardeos nazis en Gran Bretaña, se comisionó por parte de la comisión británica para la guerra la construcción de casas de fácil fabricación {on y movilidad para los damnificados de la guerra que perdieran sus casas, Fuller quien tenía gran experiencia en la fabricación de casas simples y ligeras propuso un diseño circular que optimizaba el espacio interno y externo, siendo casas pequeñas, resistentes, hechas de laminas de acero galvanizado. El proyecto no fue llevado a cabo debido a que el acero fue utilizado para la fabricación de armamento en Bretaña, sin embargo el proyecto fue retomado por las fuerzas militares americanas para las fuerzas aéreas.

Viendo que las relaciones internacionales de agrandaban durante y después de la guerra Fuller supo que era tiempo de tener un mapa del planeta que estuviera bien representado y que de una manera no distorsionad proporcionara eficacia en el momento de representar distancias y superficies, así que creó el mapa dymaxión el cual no distorsionaba las formas o distancias de los territorios sino que por el contrario tenía una buena distribución.

Al finalizar la guerra Fuller volvió a la construcción estandarizada de casas ligeras. Creo entonces una obra más que arquitectónicamente tradicional, un obra de diseño industrial, la Dymaxion Dwelling Machine o Casa Wichita, la cual podía ser producida industrialmente, Esta casa demás de ser económica y fácil de fabricar constaba de paneles que la hacían modular, es decir que los módulos podían ser ensamblados y movidos de un lugar al otro para configurar eficientemente el espacio, tras la presentación{on del prototipo final Fuller inc. recibió cientos de ordenes pero Fuller insistió en que el modelo debía ser perfeccionado aún.


Casa Wichita, 1944.

Fuller enseño en varias escuelas, siendo un maestro diferente que incitaba a sus alumnos a la búsqueda de una nueva técnica de construcción y de una nueva manera de ver la arquitectura, dio clases en Black Mountain College donde trabajo en conjunto con maestros y alumnos lo que le ayudó a desarrollar su gran trabajo del domo geodésico en los años 50’s.


Domo Geodésico, invesión de Fuller en los años 50's.

El domo geodésico, que fue su mayor aportación a la arquitectura, al diseño y a la geometría exponía una vez más su ideal por el aprovechamiento máximo de espacio, material y otros recursos, pues este domo geodésico no requería de mayor estructura más que su estructura, este trabajo fue exigido en Montreal como el pabellón de Estados Unidos de América sugiriendo que esta forma podía ser completamente autónoma y perfecta para el aprovechamiento del espacio. En 1957 refinó el diseño pudiéndose armar un auditorio con domo geodésico en Honolulu en solo 22 horas.

Este diseño fue tan efectivo y radical que en el mundo hoy en día hay cerca de 100,000 domos geodésicos, Fuller construyó un segundo domo para otro pabellón en Montreal que fe más grande que el anterior.

Buckminster Fuller, siguió trabajando hasta su muerte en 1983, siendo un inventor de gran prestigio y un gran antecedente a la sustentabilidad y a los espacios modulares que hoy en dia son tan requeridos, su ingenio y habilidad demostraron que muchas veces la experiencia es más fuerte que los conocimientos académicos y que el diseño requiere cada vez más de técnicas y nuevas manera de concebir el mundo.



 
Fuentes:

Charlotte & Peter Fiell “Desing Handbook” Taschen 2007

Design Museum “Buckminster Fuller” designmuseum.org

lunes, 5 de abril de 2010

Ross Lovegrove

Pocos diseñadores contemporáneos dejarán su marca en la historia del diseño como el “Capitán Orgánico” Ross Lovegrove, quien lejos de ser una superestrella del diseño, es uno de los iconos representativos de una nueva actitud ante el diseño y el mundo que lo rodea.



Banca de colección Phillips de Pury.



Si se ha comentado muchas veces que los grandes diseñadores tienen una ctitud diferente y un “algo” que les hace diferentes y memorables, Ross Lovegrove es uno de ellos, un personaje fuera de su tiempo y dentro de las nuevas formas de diseño. Esta fama del Capitán Orgánico se debe a su diferente forma de ver las cosas, una sencillez y una búsqueda por nuevos procesos y materiales de producir, y esto visto no desde el punto de vista de la creación de materiales, sino desde la perspectiva del redescubrimiento de materiales a través de los procesos de producción.


Cámara One Eye.




Lovegrove nació en 1958 en Cardiff Wales, Reino Unido. Entonces estudió en la Escuela Politecnica de Manchester donde obtuvo el Bachillerato en Artes de Primera Clase en Diseño industrial en 1980. Entonces ingresó en el Royal College of Art en Londres de donde sale graduado en 1983 con la Maestría en Diseño. No podría esperarse menos de un gran referente como el de Ross Lovegrove que un gran diseñador, más allá de la barrera del producto.

Silla Go.



Sin embargo como todos los grandes sus inicios fueron sencillos pero dejaron en él el carácter que correspondería. Trabajo en un principio en Frog Design en Alemania del Oeste al inicio de los años 80’s. Su trabajo en diseño se desempeñó en el area de lo tecnológico con el diseño de ordenadores para Apple y su famoso Walkman para Sony.


Después se mueve a Paris donde trabaja como consultor de Knoll, entonces desarrola el Sistema de Oficina Alessandri, que es uno de sus éxitos. Es invitado a formar parte del Atelier(Taller) de Nimes donde fue asesor de algunas figuras como Cacharel, Dupont, Louis Vuitton y Hermes.
Para 1986 se regresa a Londres y abre su oficina de diseño junto con Julian Brown, la comunidad es disuelta en 1991 cuando Lovegrove decide abrir su propio despacho, llamado entonces Studio X.


Su estudio contó con numerosos clientes en los siguientes años de actividad, clientes como British Airways, Parker Pens, Kartell, Ceccotti, Cappellini, Phillips, Moroso, Driade, Apple, Connolly Leather, Olympus, Luceplan, Tag Heuer, Fratelli Guzzini y Herman Miller.


Lovegrove ha producido grandes trabajos en diseño inspirados siempre en el mundo natural, en lo orgánico y mantiene una filosofía fuerte sobre el mantener la naturaleza y el esencialismo como las marcas distintivas de su diseño y de cómo deben ser diseñadas las cosas.



El capitán orgánico quizá hoy en día no es la súper estrella que Eames y Starck han sido, pero algo es cierto, está a la altura de ellos y no es de sorprenderse que haya tenido ya varias exposiciones y que cada vez más será un referente al diseño.

Moldes para botella de agua Ty nan





Lovegrove tiene una sensibilidad hacia lo natural, y como es que la naturaleza hace un proceso de diseño al mismo tiempo, ha buscado el diseño verde en sus proyectos, y ha buscado como buen diseñador que los productos sean ligeros, agradables a la vista del consumidor, entre otros atributos que hacen de las ideas de Lovegrove siempre muy interesantes sensuales e irresistibles.


Su diseño, cautivador, original y proyectado hacia el futuro muestra cada vez una evolución hacia la limpieza de imagen, esencialismo, funcionalidad y belleza.








Fuentes:

Tim McKeough “Ross Lovegrove, aka Captain Orgfanic, Meld Materials and Tech” Wired.com
http://www.wired.com/culture/art/multimedia/2007/03/lovegrove0329

D-Side “Ross Lovegrove”
Home.Scarlet.be
http://home.scarlet.be/d.side/pag43_063.htm


Charlotte & Peter Fiell “Desing Handbook” Taschen 2007

Arquitectura y Diseño. Soledad Lorenzo. 2009. Edición 5-2009, “Diseñadores un cambio de escenario"
Imágenes de la Red

lunes, 1 de febrero de 2010

Charles y Ray Eames

Sin duda dos de los grandes diseñadores y arquitectos americanos son Charles y Ray Eames. Esta pareja producto objetos de diseño de culto los cuales además de funcionales y producibles son estéticos. Si bien ambos tenían un peculiar interés en el arte produjeron muchos objetos de diseño que permanecen hasta hoy vigentes como grandes piezas.

Charles Eames nació en el año de 1907 en Saint Louis E.U.A. en los años 20 tuvo un gran interés en el cine. En 1925 ingresa becado a la Washinton University of Saint Louis, a la carrera de Arquitectura. En 1928 abandona la universidad y se casa con Catherine Dewey Woermann, viaja con ella a europa y conoce el trabajo de Mies Van der Rohe y Le Corbusier lo que será influyente en él. De 1930 a 1933 abre su estudio Gray & Eames de arquitectura. Luego en 1934 viaja por México donde se decida a pintar. En 1935 trabaja con Eliel Saarien quien se convierte en su mentor y con quien trabaja en la casa Meyer. De 1938 a 1940 va a la Cranbrook Academy of Art junto con Eliel Saarien quien le ofrece una beca de investigación.


Ray Kaiser nació en 1912 en Sacramento E.U.A. de niña sigue sus estudios normalmente y en 1933 ingresa a la Art Students League of New York. Estudia entonces con Hans Hoffman con quien expone sus trabajos. Después en 1940 tras la muerte de sus madre se mueve a estudiar en la Cranbrook Academy of Art en Michigan donde estudia y ayuda a Charles Eames. En 1941 Eames se divorsia de su esposa y se casa con Ray Kaiser ahora conocida como Ray Eames.

La pareja incursionó en varios campos como fotografía, arquitectura, diseño industrial, diseño gráfico y arte. Sus trabajos siempre mostraban una versatilidad artística presente en cada detalle sin importar lo mínimo que fuera. Han sido grandes colaboradores del movimiento del diseño orgánico. En 1940 ambos trabajan para el concurso de “Organic Design in Home Furnishings” (Diseño Orgánico para Mobiliario del Hogar) donde presentan sus sillas hechas de contrachapado y laminado.
Silla de madera contrachapada.


Dichas sillas no pasaron desapercibidas ya que han sido revolucionarias como sus técnicas con el contrachapado. En si el contrachapado puede ser muy antiguo y ha tenido grandes exponentes como Thonet con el doblado de madera. Sin embargo el trabajo de Charles y Ray se expresaba a niveles orgánicos, modernos e industriales sin precedentes hasta el momento.


Dichas innovaciones introducidas por la pareja se empezaron a producir en masa por Evans Products. Tal ha sido la importancia de estos diseños en contrachapados que hicieron a esta silla ser llamada “La silla del siglo”. La producción de esta silla fue pronto tomada por Herman Miller Inc, y después por Vitra que hoy en día tiene los derechos de producción en europa. De hecho su trabajo tuvo gran impacto que diseñadores como Arne Jacobsen tomaron este método del contrachapado para crear obras como su famosa silla 7. En 1943 fundaron su Eames Ofice que hoy en día trabaja continuamente en trabajos de arquitectura y diseño.




Silla de aluminio para oficina


En 1948 hacen una de sus grandes contribuciones al diseño orgánico con su silla “la chaise” que era una obra integrada, inspirada en la escultura de Gaston Lachaise (1927), de esta manera dan un toque de líneas sensuales adaptables al cuerpo humano e inspiradas en este que resuenan en cualquier espacio. Este trabajo no era posible de ser producido industrialmente hasta 1990 con fibra de vidrio, metal y madera.

Silla "La Chaise" fabricada por Vitra.


Para 1949 la pareja diseñó y construyó su propia casa en Pacific Palisades en California, su casa fue también considerada parte del proyecto de las Case Study Houses, y es obvio que en el trabajo de esta casa no se podía despreciar la influencia del movimiento moderno y de Stjil, así como de Piet Mondrian. El proyecto fue hecho con materiales industriales y a un bajo costo. Además de dar una futura influencia sobre el movimiento High Tech. El proyecto de las Case Study Houses estaba patrocinado por la revista Arts and Architecture donde trabajaron haciendo algunos trabajos de diseño gráfico tanto Charles como Ray.




Casa Eames


A partir de 1950 su trabajo fue enfocado principalmente en el trabajo fotográfico, de diseño gráfico y de cine. Haciendo en 1958 un documental de la importancia del la educación en diseño en india. Y ese mismo año saca una serie de muebles de aluminio en oficinas. Y trabaja haciendo algunos films educacionales para IBM. En 1956 sacaron a la venta otro de los grandes iconos del diseño de muebles. La silla Lounge, que combina el trabajo en el contrachapado de madera, con el trabajo en piel y metal. En 1959 tanto Charles como Ray reciben muchos títulos honorarios en muchas instituciones americanas por su trabajo en diseño.


Sillon Lounge


En 1968 sale el film mas influyente de Charles “Power of Ten” (El poder de diez). De 1970 a 1971 Chales Eames es encargado de la cátedra Charles Eliot Norton y en 1978 muere de un ataque cardiaco. Ray Eames muere diez años después.


La influencia de estos dos grandes diseñadores es indiscutible en nuestros días y en todo el trabajo de la segunda mitad del siglo XX, hoy en día la Eames Ofice aún trabaja bajo la dirección de la hija de Charles, Lucia Eames y sus hijos.


Fuentes:

Eames Ofice “Charles & Ray” Eamesofice.com
http://www.eamesoffice.com/charles-and-ray

Design Museum “Charles + Ray Eames” Design Museum Collection
http://designmuseum.org/design/charles-ray-eames+

Sólo Arquitectura “Ray Kaiser Eames” soloarquitectura.com
http://www.soloarquitectura.com/arquitectos/ray_kaiser_eames.html

MoMA store “Chairs” momastore.org
http://www.momastore.org/museum/moma/ProductDisplay_Eames%20La%20Chaise_10451_10001_14023_-1_11461_11462_Y_Chairs_

Design Within Reach “Eames Molded Plywood Lounge chair” dwr.com
http://www.dwr.com/product/classics/eames-molded-plywood-lounge-chair-lcw.do

Charlotte & Peter Fiell “Desing Handbook” Taschen 2007

Todas las imágenes tomadas de la red.

Arquitectura y Diseño. Soledad Lorenzo. 2009. Edición 99, “Guia de Diseño: Diseño para niños”, “Chair y Stool”

jueves, 31 de diciembre de 2009

Frank Gehry

Frank Owen Gehry es uno de los arquitectos más influyentes de nuestros tiempos, no solo por llevar a niveles más elaborados la construcción de edificios y hacer la forma el estandarte de su arquitectura, sino por tener edificios que comprometen la discusión y nos hacen pensar ¿si la arquitectura debe siempre seguir patrones rectilíneos?

Frank Gehry, nació en Ontario Canadá en 1929, con el nombre de Ephraim Goldberg. Después se movio a Estados Unidos de América y cambió su nombre por el cual es bien conocido, estudió en la Universidad del Sur de California, fue graduado en 1954 trabajando con Victor Gruen en su estudio de asociados en los Ángeles. Se dedicó a hacer su servicio militar y finalmente regresó a estudiar urbanismo en la facultad de Diseño de la Universidad de Harvard.

Estableció en 1963 su firma de asociados, la cual es descrita como una asociación con experiencia internacional en proyectos de urbanismo, residenciales, museos, experiencia académica, de comercio y representación. Después en 1979 fusionó su firma convirtiéndose en la Gehry & Krueger Inc.

En sus principios Gehry inicio como cualquier otro modernista, después de todo los tiempos lo exigían así, de moda estuvieron grandes personajes del estilo internacional y no era de esperarse que las ideas de Gehry fueran punto de burla entre sus contemporáneos. Un edificio que detalla bien esos inicios de Gehry, es el Santa Monica Place, el cual no revela una revolucionaria forma externa. Sin embargo digamos que al conocerse su trabajo, fue de esperarse que le exigieran crear obras novedosas y de su peculiar estilo.

El estilo que creció sobre Frank Gehry fue el decostructivismo, uno de los estilos arquitectónicos y de diseño que consiste en integrar figuras geométricas diferentes en el espacio-objeto, haciendo una completa formación, si bien no abstracta, si incomprendida y suelta. Estas formas adoptada por Gehry, tuvieron sus apariciones poco a poco en su trabajo, podríamos ver que en el Museo Aeroespacial de California ese pequeño genio se deja ver por primera vez.

Su trabajo y forma siguieron avanzando en sus proyectos menores como las distintas casas que construyó dejaban ver poco a poco como su invención progresaba, podríamos ver en sus obras que poco a poco creció ese interés por una forma diferente y hasta cierto punto irracional.
Gehry ha declarado su amor por el arte, de hecho su comportamiento en sus obras es tan inusual por que transporta la arquitectura de ser un arte a una bella arte, siendo que ha adoptado el cubismo como su principal guía de trabajo. Gehry convive con artistas y los tiene como amigos, puesto que para Gehry es de gran importancia dar ese toque de arte a sus obras, manifiesta su miedo a pintar un cuadro, dice que no podría pero podríamos ver en sus bocetos la magnificencia de su mente al otorgar una forma cargada sobre un edificio como un museo.

La mayor obra de Frank Gehry ha sido el museo Guggenheim en Bilbao, y no es necesario decir lo que dicho museo ha hecho por la ciudad, pues luego de estar perdida en el mapa es una ciudad reconocible por su magnifico museo. Donde podríamos ver toda esta geometría estilizada, alargada y recortada sobre el escenario. Dándole un aire nuevo al espacio museístico, dejando que el cascaron del arte sea arte en si mismo.

Pero la cuestión de la belleza muchas veces pelea con la función y con la eficacia, parte del gran pecado de Gehry ha sido esto, su obra demás de hermosa, es cara, pero no solo cara a la hora de construir sino a la hora de dar mantenimiento, podemos ver, que ha habido cuestiones entre el museo Guggenheim y Gehry por cuestiones del mantenimiento y es que uno se puede imaginar lo demandante que es tener que dar mantenimiento a placas metálicas que deben estar relucientes.

Otro de los grandes problemas que se aportan a la arquitectura de Gehry, es que algunas veces construir tales monumentos puede costar un gran ingenio, pues se necesitan grandes cálculos y a veces llevar la teoría a la práctica es difícil. Pueden que tales edificios sin el perfecto cuidado sufran ciertos pormenores que a fin de cuentas dejan insatisfechos a quienes prefieren la función a la forma.

Pero lejos de las cuestiones constructivas que sin lugar a dudas van a superarse, existe cuna cuestión de diseño sobre todo eso, Gehry no es un Arquitecto que deje todo a la forma, sino que contempla perfectamente las cuestiones de movimiento dentro de sus espacios, por ejemplo tenemos el Auditorio Walt Disney, el cual además de ser de una forma espectacular y casi gemelo del Guggenheim tiene contemplado el hecho acústico y de movimiento.

Gehry como otros arquitectos ha incursionado en el mundo del diseño de objetos y podría decir que el diseñar objetos es para el un ensayo antes de diseñar edificios. Ha creado dos series de asientos y varias lámparas, el primero ensayando las formas y las segundas inspirado en el pez.
La cuestión es que su investigación de formas y su manera en que ensayar los materiales, es una de las cuestiones que deben ser tomadas en cuenta en todo tipo de diseño. Y lo que nos deja una gran enseñanza de las capacidades de Gehry. Sus sillones hechos de cartón aportan belleza y función, y además nos dan una idea de las posibilidades del material.

Gehry es un genio de la arquitectura y del diseño y ha sido el parte aguas para los deconstructivistas actuales y para los postmodernistas y nos deja siempre con una cuestión, debe ser el diseño algo que se incline siempre por un valor estético sin importar otros factores o debemos continuar con un camino en el cual los conocimientos no sirvan más que para manifestar la misma solución una y otra vez.

Fuentes:
Arqhys “Frank Owen Gehry (Biografía Actualizada)” Arqhys
http://www.arqhys.com/articulos/frank-gehry.html

Great Buildings “Frank Gehry” Great Buildings
http://www.greatbuildings.com/architects/Frank_Gehry.html

Gehry Partners, LLP
http://www.foga.com/home.asp

Sydney Pollack “Sketches of Frank Gehry” Sony Pictures Classics. 2005








lunes, 16 de noviembre de 2009

Arne Jacobsen

Arne Jacobsen es considerado uno de los grandes del internacionalmente reconocido diseño danés, nacido en 1901, estudió arquitectura en la Real Academia Danesa de Artes, graduándose en 1927. Entre los años del 27 al 30 se estableció en el despacho de Paul Holsoe, para luego abrir un despacho propio donde trabajó hasta su muerte en 1971. Jacobsen trabajó como arquitecto y diseñador de interiores, textiles, muebles y cerámica. Fue profesor del Real Colegio de Artes de Copenhague desde el 56.

Los diseños de Jacobsen, eran tomados de simples dibujos para ser moldeados en escala real en pasta o en cartón, Jacobsen era un perfeccionista y siempre buscó mejorar sus modelos y productos, el creía plenamente que se debía prestar la gran y misma atención a todos los detalles de diseño de un lugar, desde como se viviría en un determinado lugar a como se podrían guardar ciertas cosas. Tal era su atención por los detalles que veía cual sería la silla indicada, la tela de las cortinas, los arboles plantados al exterior, los peces que se pondrían en el estanque, todo esto tomaba el en cuenta, puesto que de esta manera se lograría un diseño coherente, y bien proporcionado.
Muestra de esta coherencia presente en su trabajo, gracias a su atención a los más mínimos detalles es el colegio de St. Catherine’s de la universidad de Oxford el cual desde hace tiempo se convirtió en el campus más importante de la universidad, su planeación tenia que ver también con sus jardines, los tipos de plantas que seleccionaba y la disposición de los espacios. Puede observarse en esta universidad la presencia de muchos de los diseños que Jacobsen hizo, muebles, cubiertos, cerámicos diseñados por él mismo. Jacobsen es destacable, no solo por ser el más grande arquitecto del estilo internacional que provenía de Dinamarca, sino por lo increíble que eran sus diseños y por como esto son aún producidos y vendidos a casi cuarenta años de su muerte.

Sus trabajos mas representativos son sus sillas, cisne, hormiga y el sillón huevo, Jacobsen era de origen humilde, hijo de picapedreros quienes trabajaron para arquitectos de la talla de Mies Van Der Rohe, para quien también trabajo de joven, estos trabajos le hicieron un conocedor de materiales lo que fue su fuerte en un futuro.

Como alumno en el RCAC Jacobsen viajó a parís donde además de impresionarse con el estilo nuevo de Le Corbusier, ganó medalla de plata en el diseño de una silla en 1925. Al dejar el RCAC viajó a Berlin donde vio el estilo de construcción de Mies y de Wlter Gropious quienes le influenciaron en sus primeros proyectos. Como un arquitecto joven Jacobsen inició haciendo casas para uso privado siempre mesclando la simplicidad de Mies y le Corbusier, en sus trabajos con el diseño clásico escandinavo, influenciándose por Erick Gunnar Asplund. Este estilo le acompañó durante un gran tiempo, hasta la segunda guerra mundial cuando las peticiones de construcción bajaron puesto que se encontraba el material en poca disposición. Jacobsen huyó de Dinamarca cuando los nazis invadieron el lugar, se exilió a Suecia donde trabajó diseñado objetos de fabrica y tapices durante su exilio se vio inspirado por la belleza cultural escandinava.
Al regresar a Dinamarca el país necesitaba una reconstrucción con urgencia lo que le dio la oportunidad de experimentar al momento de contruir departamentos y casa a una gran velocidad. Hizo varios experimentos y construyó complejos como stocholm houses, y la round house.






A partir de los años 50 Jacobsen se encontró interesado por el diseño de muebles como los que hacían los americanos Charles y Ray Eames. Fue influenciado por su esposa quien era una diseñadora de textiles y por personajes como Ernesto Rogers quienes creían que se debía pensar en todo lo que se iba a usar y diseñar.







“Diseñar desde la cuchara hasta la ciudad”


Este interés fecundó en Jacobsen lo que sería su etapa más grande de creador a partir de allí, no sólo sería un gran arquitecto, sino también sería todo un diseñador. En 1951 Jacobsen concluyó su trabajo en la silla hormiga, uno de los más grandes diseños un simple asiento de triplay moldeado y cortado sobre tres pies de metal. Quizá una de las cosas mas importantes de ésta su primera silla no se ni su forma lo cual es obviamente algo imprescindible, ni sus materiales, sino su durabilidad y su capacidad de tomar poco material y además que pudieran ser apilables lo cual no solo ayudaba a su distribución sino que las hacía fácilmente guardables.

A este maravilloso diseño le siguió su hermana la silla de serie siete, junto con las lámparas Munkegard, hay que destacar que bajo su filosofía de diseñar todo hasta los mínimos detalles, tendremos que prestaba atención a los más mínimos detalles. Esta segunda silla también comparte grandes de las características de la primera y estoy seguro que no habrá quien ya las haya visto en alguna cafetería u oficina, lo cual habla realmente del éxito de este gran diseño, el cual no es solo hermoso sino también es resistente y ligero.



En lo que siguió de los 50’s diseñó su obra maestra el Royal Hotel, donde todo incluido los cubiertos fueron diseñador por él, no había nada ni una habitación en el entero hotel que no hubiera sido pensada por Jacobsen; creo dos de sus obras maestras en sillas la silla huevo la cual cualquiera diría que no es un huevo pero lo que hizo Jacobsen fue tomar un huevo y partirlo todo esto para adaptarlo a la forma en que una persona pudiera sentarse cómodo, sucesivo a este diseño fue el sillón cisne que es hermano de el anterior, estos muebles fueron diseñados para el Royal Hotel.

Sus prestigio estaba, le llamaban el hombre gordo pero quizá no se referían solo a su peso físico sino a su peso de reconocimiento, después de todo no ha habido un diseñador como Jacobsen, cuyos trabajos iban al ritmo de la perfección combinando de la mejor manera posible la función y la forma, hoy en día Jacobsen es la súper estrella del diseño danés, por personas como él el diseño de su país es de los mas reconocidos.

Jacobsen trabajó en otros proyectos arquitectónicos como el Belvedere Restaurant, el Colegio de St Catherine, y el National Bank, así como que hizo sus productos como el Cylinda Line Tableware. Jacobsen murió en 1971 en Copenhague con el gran prestigio que se merecía, siendo un gran ejemplo para la arquitectura y el diseño en sus diferentes facetas y es por eso que es admirado, por su habilidad de dar prioridad a los detalles mas mínimos del diseño.








Fuentes información e imágenes:
Lous Poulsen “Arne Jacobsen” Scandinavian Desing
http://www.scandinaviandesign.com/arne_jacobsen/
Desing Museum Collection “Arne Jacobsen” Desing Museum Collection
http://designmuseum.org/design/arne-jacobsen
Marisol Gomez Aguilar “Arne Jacobsen: La Revolución del Diseño” ISEL
http://www.isel.org/cuadernos_2004/articulos/gomez_m.htm
St. Catherine’s College Oxford Buildings & Gardens St. Catherine’s College Oxford
http://www.stcatz.ox.ac.uk/the_college_pages/buildings_and_gardens.htm

viernes, 13 de noviembre de 2009

ELLOS




Los grandes personajes del diseño industrial o el diseño en general, sus vidas, sus ideas, sus trabajos. Por que siempre hay más de una perspectiva en el diseño y nunca se puede escapar a la discusión.